Classement de tous les films Aardman Animations

Dans le sens des aiguilles d’une montre à partir du coin supérieur gauche : Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl, Shaun le Mouton: Le Film, Arthur Noël, et Chicken Run.
Illustration photo : LesNews ; Photos : Everett Collection (Netflix, DreamWorks, Lionsgate, Columbia Pictures)

Cette liste a été initialement publiée en 2018. Elle a été mise à jour avec les sorties ultérieures, y compris le retour du duo le plus apprécié et durable d’Aardman dans Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl, maintenant disponible sur Netflix.

La manière la plus simple de savoir si vous regardez un film produit par Aardman Animations, un studio d’animation britannique basé à Bristol, est de rechercher des empreintes digitales. En examinant attentivement n’importe quelle image de leurs courts ou longs métrages en stop-motion, vous pouvez apercevoir les marques laissées par un animateur qui a littéralement déplacé les personnages en Plasticine avec ses propres doigts pour donner vie et expression. L’animation par ordinateur est actuellement le modèle prédominant du cinéma commercial, mais il pourrait n’y avoir aucun meilleur exemple du pouvoir de l’animation “faite maison” que ces impressions littérales sur l’écran.

Fondé en 1972 par Peter Lord et David Sproxton, Aardman a fait sa renommée grâce à ses courts métrages pour la télévision britannique ainsi qu’à des travaux d’animation dans des clips musicaux comme “Sledgehammer” de Peter Gabriel et “My Baby Just Cares for Me” de Nina Simone. Le studio a remporté son premier Oscar pour le meilleur court métrage d’animation en 1990 pour le film Creature Comforts de Nick Park, qui montre des animaux de zoo interrogés sur leurs conditions de vie. Cependant, la même année, Park a présenté un court métrage mettant en scène ce qui deviendra le duo le plus durable d’Aardman : Wallace et Gromit. Le reste fait désormais partie de l’histoire.

Depuis plus de quatre décennies, Aardman enchante son public avec un esprit ludique et généreux qui imprègne tous leurs projets créatifs. Chacun de leurs films présente une aventure ingénieuse dans un cadre radicalement différent, allant d’une ferme avicole aux mers tumultueuses, mais la plupart d’entre eux véhiculent une croyance profonde en l’humanité sans sacrifier la nuance ou la complexité. Trop souvent, nous entendons parler de films « pour toute la famille », qui ne sont en réalité que pour les enfants. Aardman propose des films destinés aux enfants — mais, en refusant de parler au-dessus ou en dessous de leur public, ils finissent par toucher tout le monde. Pixar et Studio Ghibli reçoivent sans aucun doute la majorité des louanges en matière d’animation, mais Aardman mérite d’être mentionné dans la même phrase pour son niveau de cohérence et de qualité.

Pour rendre hommage au dernier film d’Aardman, Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl, voici un classement de leur filmographie, depuis leurs premiers courts jusqu’à leurs longs métrages souvent sous-estimés.

DreamWorks Animation a produit et cofinancé trois films d’Aardman avant que leur contrat ne soit officiellement rompu en raison de divergences créatives. Le dernier film d’Aardman avec DreamWorks a traversé une production difficile et a conduit à leur séparation, et il est clair que c’est le point le plus bas de leur filmographie. Le premier film entièrement animé en CG d’Aardman, Flushed Away, suit un rat de compagnie sophistiqué, Roddy St. James (Hugh Jackman), qui se fait évacuer par les toilettes pendant que ses propriétaires sont en vacances. Dans les égouts, il découvre la ville des rats, Ratropolis, et rencontre rapidement Rita (Kate Winslet), une récupératrice astucieuse désespérée de remonter le moral de sa grande famille. Ensemble, ils s’efforcent de ramener Roddy chez lui et d’arrêter le méchant Crapaud (Ian McKellen), qui désire noyer toute la ville à cause de sa haine de longue date envers les rongeurs.

Un scénario peu abouti, un doublage routinier et une bande sonore pop déplorable (Billy Idol, Tina Turner, The Dandy Warhols, et *frisson* Jet n’ont jamais sonné aussi mal dans ce film), Flushed Away est largement indistinguable des autres films d’animation oubliables de DreamWorks, ce qui, concevablement, était l’objectif de DreamWorks. Bien qu’il y ait des éléments adaptés à un public anglo-saxon (le climax repose sur le fait que les gens attendent la mi-temps de la Coupe du Monde pour aller aux toilettes) et des teintes du pitch initial de Lord pour un African Queen inversé en termes de genres, il est difficile de voir Flushed Away comme autre chose qu’un film d’Aardman compromis, une tentative bon marché visant à contenir leur style pour l’adapter à la boîte classique du film pour enfants. Pire encore, l’animation CG semble bon marché et précipitée, ce qui constitue une offense particulièrement notable compte tenu du palmarès exceptionnel du studio. Il n’est donc pas surprenant que Flushed Away ait finalement conduit à un nouvel accord avec Sony Animation.

Photo : Chris Johnson/Netflix/Everett Collection

Netflix a acquis les droits de streaming pour les futures productions d’Aardman à la suite de l’échec commercial de Early Man (2018). Les trois films d’Aardman publiés sur la plateforme de streaming sont des suites, probablement pour capitaliser sur la familiarité et/ou la nostalgie de leurs propriétés acclamées. Leur premier film Netflix, Farmageddon — une suite du film charmant Shaun le Mouton: Le Film (2015) — représente malheureusement un point bas dans l’histoire du studio car, que ce soit intentionnellement ou non, il cherche l’attention d’une façon que les films d’Aardman, qui opèrent généralement dans un registre patient même à leurs moments les plus d’action, ne font habituellement pas.

Inspiration largement tirée de E.T. l’extra-terrestre, Farmageddon suit le facétieux et bienveillant Shaun alors qu’il découvre secrètement Lu-La, une alien tentaculaire qui a un don pour l’imitation, après qu’elle a atterri près de Mossy Bottom Farm. Lui, ainsi que le reste de son troupeau et finalement Blitzer, le chien de berger, essaient de la ramener chez elle tout en évitant des agents gouvernementaux malveillants et même leur propre fermier, qui veut tirer parti des récentes apparitions extraterrestres en créant un parc à thème axé sur les aliens. Bien que Lu-La puisse être assez mignonne avec ses pitreries perturbatrices, cela ne suffit pas à sauver Farmageddon, qui traîne malgré sa courte durée et des VFX agressivement brillants. (Un contraste frappant avec le premier film Shaun le Mouton, une affaire plus discrète inspirée par la comédie de films muets.) Encore plus inquiétant, le film regorge de multiples montages apparemment interminables sur fond de mauvaise musique pop, ce qui semble être une tentative très discutable d’actualiser la sensibilité d’Aardman au vocabulaire de divertissement pour enfants moderne.

Le long-métrage d’Aardman se déroulant à l’époque préhistorique suit Dug (Eddie Redmayne), un homme des cavernes aux yeux écarquillés vivant dans une vallée avec le reste de sa petite tribu de chasseurs de lapins. Lors d’une nuit, une armée de l’âge du bronze dirigée par le pompeux Lord Nooth (Tom Hiddleston) chasse la tribu de la vallée, affirmant que l’âge de pierre est révolu. Pour récupérer leur foyer, Dug conclut un marché avec Lord Nooth : lui et sa tribu joueront contre l’équipe championne de la Ville de Bronze lors d’un match de football, et s’ils gagnent, ils pourront retourner dans leur vallée. Bien que la tribu lutte avec les mécanismes du jeu, Dug et Goona (Maisie Williams), une rebelle de la Ville de Bronze, s’associent pour entraîner la tribu à la victoire.

Early Man marque le retour de Nick Park à la réalisation de long-métrage depuis The Curse of the Were-Rabbit en 2005 et son premier effort de réalisation en plus d’une décennie. Il est dommage que le film souffre d’un récit banal et de caractérisations unidimensionnelles, ce qui rend son cœur émotionnel, impliquant les difficultés de transcender l’héritage ancestral, mort-né. Bien que l’esthétique de Early Man soit un répit bienvenu face à l’omniprésence du numérique, et que certaines blagues liées aux hommes des cavernes soient superbement exécutées (par exemple, une blague sur la soupe primordiale se révèle être un vrai gagnant), c’est néanmoins l’un des efforts les plus faibles d’Aardman.

Chicken Run (2000), le premier long-métrage d’Aardman, demeure encore aujourd’hui le projet le plus commercialement réussi de leur histoire. D’ailleurs, il est facile de comprendre pourquoi. Au-delà des charmes inhérents de l’animation en stop-motion d’Aardman et de leur sens de l’humour particulièrement malicieux, que pourrait-on détester chez une bande de poules qui orchestrent une “grande évasion” pour éviter le couperet ? Vingt-trois ans plus tard, Aardman retrouve ses poules bien-aimées dans Dawn of the Nugget, qui suit Ginger (Thandie Newton, remplaçant Julia Sawalha, dont la voix a été jugée “trop âgée”) et Rocky (Zachary Levi, remplaçant Mel Gibson pour des raisons évidentes) alors qu’ils tentent de sauver leur audacieuse fille Molly (Bella Ramsey) qui a été enlevée pour être envoyée dans une ferme avicole spécialisée dans une nouvelle création : le nugget.

Dawn of the Nugget souffre de problèmes typiques des suites : un récit artificiellement étendu qui sépare ses personnages, trop de références au film original, et des caractérisations bien-aimées réduites à l’essentiel ou reformulées pour ressembler à des fac-similés d’eux-mêmes. Mais bien qu’il puisse être difficile de regarder Dawn of the Nugget jouer au clin d’œil avec le public ou se traîner à travers des séquences émotionnelles de base, c’est toujours un plaisir total chaque fois qu’il s’engage dans une comédie visuelle ou entreprend un morceau d’action bien conçu. De plus, cela confirme que la psychotique et aviaire-craignant Mme Tweedy, qui — dum dum dum ! — revient pour se venger de ses anciens ennemis, est un méchant pour les âges.

Photo : Sony Pictures/Everett Collection

Aardman est revenu à l’animation en stop-motion pour la première fois en sept ans avec leur dernière collaboration avec Sony Animation : le film enjoué mais amusant The Pirates! Band of Misfits!. Dans le film, le Capitaine Pirate (Hugh Grant, offrant l’une des meilleures performances de sa carrière) dirige un équipage de pirates dépareillés qui essaient (et échouent maintes fois) de se faire un nom en haute mer. Un jour, ils croisent un navire et découvrent son unique passager, Charles Darwin (David Tennant). Juste avant de lui faire faire un plouf, Darwin informe le Capitaine Pirate que son animal de compagnie, Polly, n’est pas un « gros perroquet », mais le dernier oiseau dodo. Le Capitaine Pirate accepte d’inscrire Polly au concours de la Royal Society pour la meilleure découverte scientifique, mais Darwin a des plans plus sinistres à l’esprit pour l’oiseau rare.

Avec The Pirates!, le réalisateur Peter Lord a combiné l’animation traditionnelle en stop-motion d’Aardman avec de la CG pour la mer et les paysages plus vastes, ajoutant un aspect numérique à leur technique d’animation en Plasticine. On pourrait s’attendre à ce que les deux animations entrent en conflit, mais Lord et les animateurs d’Aardman intègrent sans accroc les deux styles pour créer l’un des films visuellement les plus engageants du studio. Bien que le récit lui-même soit un peu fatigué, les caractérisations sont captivantes, notamment celle de Darwin, un chouchou amoureux et capricieux, et le film contient certaines des meilleures comédies d’Aardman à ce jour, y compris un chimpanzé intelligent qui communique via des flashcards. C’est une œuvre relativement « légère », s’appuyant sur des éléments évidents (et quelques références plus profondes) de la mythologie maritime, mais même les affaires d’Aardman les plus discrètes ont beaucoup à offrir.

Wallace et Gromit sont comme le pain et le beurre ou le fromage et les craquelins : des incontournables qui ne se démoderont jamais. Vingt ans après leur dernier long-métrage, et 36 ans après leur tout premier court, le duo homme-chien bien-aimé revient pour une nouvelle aventure dans Vengeance Most Fowl, qui satirise doucement les dangers de la technologie dite intelligente, tout en représentant le projet le plus chatoyant du studio jusqu’à présent. Dans ce dernier film co-réalisé par Nick Park, Wallace, l’inventeur invétéré dont les mécanismes tendent toujours vers le charme identifié au style de Rube Goldberg (ou son absence), a délégué sa vie pittoresque au Big Tech, au grand dam de son chien à l’ancienne. Gromit est peu satisfait lorsque Wallace lui présente Norbit, un gnome robot joyeux programmé pour « aider » le chien à entretenir leur jardin, mais qui transforme en réalité cet espace en un hommage visuel à l’automatisation sans âme. Gromit a beaucoup de patience pour l’obsession technologique de son maître, mais il commence à s’inquiéter lorsque Wallace délègue même le simple fait de lui faire une caresse à une machine.

Il se trouve que le Norbot de Wallace n’est pas aussi infaillible qu’il le pensait. Feathers McGraw, le malin pingouin qui a vu son cambriolage de diamants contrecarré par Wallace et Gromit dans The Wrong Trousers (1993), est emprisonné dans le zoo local depuis des années, planifiant silencieusement sa revanche contre les héros de son enfance qui l’ont mis derrière les barreaux. Derrière les barreaux, Feathers pirate à distance le Norbot pour le rendre maléfique ; avant même que Wallace puisse y croire, le Norbot a construit une armée de gnomes qui terrorisent le quartier et conspirent pour faire évader Feathers de prison. Au final, il appartient à Gromit de découvrir la vérité et d’arrêter le vilain pingouin aux gants en caoutchouc dans son élan.

Bien que Vengeance Most Fowl soit loin d’être parfait (trop de personnages, notamment), il y a un vrai confort à voir ces figures familières s’attaquer à des enjeux connus, même lorsque le film intègre des scènes d’action élaborées à la Mission: Impossible qui comportent apparemment les plus effets visuels générés par ordinateur à ce jour. En fin de compte, la relation centrale reste suprême, et l’affection sincère que Wallace et Gromit se portent mutuellement ancre le film chaque fois qu’il menace de s’éloigner de ses origines modestes. Après tout, il est toujours important de se rappeler des humains (ou des animaux) derrière les machines.

L’équipe emblématique homme-chien d’Aardman fait ses débuts au cinéma dans The Curse of the Were-Rabbit, qui raconte les efforts de Wallace et Gromit pour maîtriser un énorme lapin qui terrorise les jardins de légumes de Tottington Hall dans les nuits précédant leur compétition annuelle de légumes géants. Amoureux de la riche Lady Tottington (Helena Bonham Carter), Wallace promet qu’il et Gromit pourront capturer la bête en toute sécurité, tandis que Lord Victor (Ralph Fiennes), déterminé à gagner la main de la Dame pour assurer sa fortune, souhaite tuer le Were-Rabbit avant le début de la compétition. Les choses se compliquent rapidement lorsque Wallace découvre qu’il est en réalité le Were-Rabbit après avoir échangé son esprit avec un lièvre particulièrement espiègle (il s’avère que la Machine à Manipuler l’Esprit de Wallace a quelques défauts à régler).

The Curse of the Were-Rabbit pâlit en comparaison des courts métrages originaux de Park, principalement parce qu’un long métrage de Wallace et Gromit s’accompagne d’un certain rythme languissant et de moments ennuyeux. Cependant, il représente d’un côté le long-métrage le plus consciemment britannique d’Aardman dans leur filmographie. Aardman a toujours embrassé leur pays d’origine, non seulement en employant presque exclusivement des acteurs britanniques, mais aussi dans leur humour — subtil, conscient de lui-même et toujours en équilibre entre le ridicule et l’absurde. Cependant, The Curse of the Were-Rabbit va bien au-delà des repères traditionnels en adoptant une ambiance quasi-Ealing à son cadre rural apparemment douillet, et en mettant en avant le côté comiquement hautain de l’aristocratie britannique. Malgré les enjeux narratifs élevés du film (Gromit et un chien rival se battent dans un affrontement aérien !) et divers clins d’œil à des films américains comme King Kong et The Wolf Man, l’absurde du film se distingue. Après tout, le cœur émotionnel du film repose sur le sacrifice du précieux légume de Gromit pour sauver la vie de son maître désinvolte.

Photo : Columbia Pictures/Everett Collection

L’une des meilleures qualités d’Aardman est leur capacité à créer des histoires sincèrement touchantes sans jamais sombrer dans le sentimentalisme mièvre. Exemple frappant : leur film de Noël sous-estimé Arthur Christmas, une histoire sur le fils dévoué du Père Noël qui tente de livrer un dernier cadeau avant le matin de Noël tout en illustrant le conflit générationnel.

Le film se déroule dans un monde où le Père Noël (Jim Broadbent) emploie des centaines d’elfes pour l’aider à piloter un vaisseau spatial high-tech qui livre des cadeaux à travers le monde en un temps record. Le fils aîné de Santa, Steve (Hugh Laurie) gère ces opérations et attend patiemment son tour pour prendre la relève de son père, tandis que son fils cadet Arthur (James McAvoy), enthousiaste mais maladroit, répond avec assiduité aux lettres d’enfants car il est trop malhabile pour réaliser quoi que ce soit d’autre. Mais lorsque le cadeau d’une petite fille se perd dans le lot, seul Arthur semble se soucier du fait qu’aucun enfant ne devrait être oublié le jour de Noël alors que tout le monde, y compris Santa, est pris dans ses propres griefs et insécurités. Il incombe à Arthur, au père grincheux et sénile de Santa (Bill Nighy), et à une elfe enthousiaste Briony (Ashley Jensen) de sauver la situation en utilisant Evie, le vieux traîneau magique de Santa.

Arthur Christmas est un peu plus conventionnel que les autres longs métrages d’Aardman, avec des rebondissements narratifs familiers et une certaine sentimentalité de Noël, mais il aborde ces éléments avec un tel engagement et complique cette sentimentalité juste assez pour que le film brille. De plus, le screenplay de Peter Baynham et Sarah Smith propose un postulat étanche qui décline l’histoire du Père Noël et permet une animation CG époustouflante (certaines des meilleures produites depuis Pixar). Plus que cela, Arthur Christmas comprend la fatigue des fêtes et comment cette période peut révéler l’insatisfaction et les peurs de chacun. Seul Arthur, le véritable croyant, ne perd jamais de vue la signification de cette saison, tandis que le reste de sa famille tente de satisfaire leurs propres égos. Mais c’est la détermination d’Arthur à s’assurer qu’aucun enfant ne soit laissé de côté qui rappelle à toute sa famille que Noël, au mieux, offre une petite lumière dans une journée autrement froide et sombre.

En 2007, Aardman a produit la série télévisée en stop-motion Shaun le Mouton, un spin-off de la franchise Wallace et Gromit, mettant en vedette le rusé et entreprenant Shaun, qui est apparu pour la première fois dans A Close Shave. Dans chaque épisode, Shaun tente d’égayer la monotonie de la vie à la ferme avec des plans à faibles enjeux qui débouchent finalement sur des situations farfelues et slapstick. Shaun, avec l’aide du chien Bitzer, doit ramener la ferme à la normale avant que le fermier ne découvre quoi que ce soit.

Inspiré par la série, Shaun le Mouton: Le Film prend le concept minimaliste de l’émission et s’en empare pleinement. Shaun pousse le fermier à s’endormir en comptant sans cesse son troupeau, ce qui lui permet, à lui et à ses amis, de prendre les rênes de la ferme et d’ignorer leur routine quotidienne. Mais lorsque le fermier se retrouve accidentellement en ville avec un diagnostic d’amnésie, il incombe à Shaun et ses camarades de lui rappeler son identité et de le ramener à la ferme avant que les services de contrôle des animaux ne les arrêtent tous.

Bien que la plupart des productions d’Aardman s’inspirent largement des films de Chaplin et Keaton, Shaun le Mouton: Le Film est leur premier long-métrage qui adopte sans doute les rythmes d’un film muet tout en conservant la sensibilité plus moderne du studio. Le film propose une myriade de blagues denses, s’appuyant fréquemment sur des gags visuels adaptés aux enfants et des jeux de mots agréables pour les adultes, ainsi que des détails en arrière-plan conçus pour captiver tout le monde. En plus de la comédie, Shaun le Mouton: Le Film médite aussi sur l’alienation urbaine, ainsi que sur l’anonymat solitaire qui va de pair avec la vie dans une métropole. Shaun, Bitzer et le reste du troupeau se sentent hors de leur élément dans leur nouvel environnement, pas seulement parce qu’ils sont des animaux, mais aussi parce qu’ils sont habitués à une vie plus petite, avec moins de dangers et moins de complications. C’est indéniablement le film le plus émotionnellement mature de la liste d’Aardman.

Quelle meilleure manière d’aborder le long-métrage qu’un hommage décalé à The Great Escape, version poules ? Situé dans une ferme avicole du Yorkshire, ressemblant à un camp de prisonniers, Chicken Run suit les diverses tentatives des poules accablées par les œufs pour échapper à leurs propriétaires oppresseurs, M. et Mme Tweedy (Tony Haygarth et Miranda Richardson). Dirigées par la résolue Ginger (Julia Sawalha), les poules cherchent sans cesse à franchir la haute clôture de la ferme sans succès, mais lorsqu’un coq sûr de lui (Mel Gibson) fait soudain son apparition, elles le voient comme leur ultime chance de finalement se libérer avant de finir toutes en tourte.

Réalisé par Peter Lord et Nick Park, Chicken Run réussit principalement en capitalisant sur le style d’animation qu’Aardman a développé au cours de deux décennies de courts-métrages, l’élargissant et l’élevant pour le grand écran. Lord et Park ont donné vie au monde rugueux de l’emprisonnement avicole grâce à des modèles en Plasticine à intrication détaillée des décors – le camp lui-même, ainsi que la machine à pâtés automatisée des Tweedy – ainsi que des personnages eux-mêmes. En plus de l’écriture aiguisée typique d’Aardman, signée par Karey Kirkpatrick, et d’un casting vocal talentueux (le contraste entre la prestance britannique de Sawalha et le charme égocentrique de Gibson est particulièrement inspiré), Lord et Park ont également apporté une approche cinématographique plus sophistiquée au matériel, incluant une profondeur de champ accrue et un schéma de montage plus serré. Après plus de trois ans de travail minutieux (une seule minute de film pouvait être complétée chaque semaine), l’atelier d’animation en plein essor de DreamWorks a libéré Chicken Run pour un accueil critique largement positif. Il est rapidement devenu le film en stop-motion le plus rentable de l’histoire et une référence pour Aardman Animations.

Photo : BBC/Everett Collection

En 1989, le court-métrage de Nick Park A Grand Day Out a été présenté au Festival de l’Animation de Bristol et a introduit le public à Wallace, un inventeur anglais malchanceux obsédé par le fromage, et son fidèle chien Gromit (le cerveau du duo). Dans le film, Wallace et Gromit voyagent vers la lune dans une expédition fromagère, mais lorsqu’ils atterrissent, ils rencontrent un robot avide de retourner sur Terre avec eux. Bien qu’un peu rudimentaire et léger en gags, A Grand Day Out a mis en avant la vision imaginative d’Aardman, empreinte d’histoire cinématographique classique et influencée par une sensibilité techno-moderne. Plus important encore, il a illustré les capacités de leur animation en stop-motion, et comment ce style fait main peut faciliter des comportements expressifs, des décors inspirés et un humour dense et subtil.

Park a ensuite suivi A Grand Day Out avec trois autres courts-métrages Wallace et Gromit : The Wrong Trousers (1993), sur la rencontre de Wallace et Gromit avec un pingouin criminel; A Close Shave (1995), qui met en scène un chien robot qui accuse Gromit de vol de moutons ; et enfin, A Matter of Loaf and Death (2008), où Gromit résout un mystère de meurtre impliquant un tueur-pâtissier en série. Chacun de ces courts a connu un succès tant critique que commercial, et The Wrong Trousers et A Close Shave ont valu à Park et Aardman des Oscars. Wallace et Gromit restent les joyaux de la couronne d’Aardman et demeurent des icônes culturelles à ce jour.

Bon à savoir

• Aardman Animations est surtout connu pour son utilisation unique de la technique de stop-motion, qui implique le déplacement de figurines en Plasticine pour créer des mouvements fluides sur écran.
• Le studio a été fondé en 1972 et est rapidement devenu célèbre pour ses courts-métrages diffusés à la télévision, gagnant plusieurs récompenses prestigieuses au fil des années.
• Wallace et Gromit, le duo emblématique, sont rapidement devenus des symboles de l’animation britannique et continuent d’être un favori parmi les spectateurs de tous âges.

En conclusion, Aardman Animations a su s’imposer comme un acteur majeur dans l’univers de l’animation grâce à un savoir-faire exceptionnel et une capacité à toucher des publics variés. En nous rappelant que l’animation peut être à la fois drôle, émouvante et intellectuellement stimulante, le studio nous invite à réfléchir à notre propre relation avec les récits qu’il propose. Comment ces personnages attachants et leurs aventures nous influencent-ils, au-delà du simple divertissement ?