Célébrez Mardi Gras : 5 films incontournables à ne pas manquer !

Accrochez vos cordons arc-en-ciel, le Mardi Gras s’apprête à illuminer Sydney avec sa célébration de la communauté LGBTQIA+ d’Australie.

Évidemment, il y aura le célèbre défilé de la fierté — un événement bien plus dynamique que ses origines tumultueuses — en plus de nombreuses fêtes et événements qui s’annoncent énergiques et festifs.

Mais que faire pour ceux qui préfèrent un moment plus calme ?

Le Mardi Gras Film Festival, organisé par Queer Screen, constitue un moyen idéal de célébrer la beauté de l’histoire, de l’identité et de l’expression queer, tout en restant confortablement assis.

La programmation est riche en films drôles, inspirants et passionnés — voici cinq recommandations du critique cinématographique Jamie Tram.

Reines de la Drame

Si vous êtes en quête d’une comédie musicale française débridée, laissez de côté Emilia Pérez et dirigez-vous directement vers « Reines de la Drame ».

Se déroulant dans une version flamboyante de la France des années 2000, le film suit la montée, la chute et la réévaluation post-ironiques des musiciennes lesbiennes rivales, Mimi Madamour et Billie Kohler. En tant que jeunes adultes, elles se rencontrent par hasard dans les coulisses d’un concours de télé-réalité, juste avant que Billie ne s’effondre avec son acte féministe punk. De son côté, les animateurs entrevoient le potentiel de la voix angélique de Mimi et s’emploient à la transformer en princesse pop au fil de la saison.

Les deux musiciennes en herbe tombent follement amoureuses, leurs tumultueuses relations se mêlant à leurs carrières. Elles puisent une inspiration divine l’une dans l’autre, même si cette étincelle conduit à un tube sur les ruptures. Les numéros musicaux de « Reines » sont d’une réjouissance infinie et sans complexe, oscillant entre des mélodies sucrées et des hymnes punk sur le sexe à moto.

C’est une œuvre d’une pure surcharge sensorielle ; le style camp saturé et énergique du réalisateur Alexis Langlois s’accorde parfaitement avec l’assaut d’une industrie musicale vorace, entourée de ragots de tabloïds, de fandoms en ligne et de télé-réalité.

Ne manquez pas de le voir avant qu’il ne devienne un classique culte.

Concernant Ma Fille

Inspiré du best-seller international de Kim Hye-jin, ce drame délicatement construit explore le fossé grandissant entre une veuve et sa fille lesbienne adulte.

Lorsque’elle échoue à sécuriser un dépôt pour un logement, Green, conférencière à temps partiel, se retrouve à devoir cohabiter de nouveau avec sa mère passive-agressive. Peu de mots sont échangés entre elles ; la réalisatrice sud-coréenne Lee Mi-rang, pour son premier long-métrage, se concentre habilement sur tout ce que la mère désapprobatrice fait pour éviter la confrontation.

L’influence du cinéaste japonais Yasujirō Ozu (Histoire de Tokyo) est perceptible non seulement dans le style patient et épuré, mais aussi dans les dynamiques familiales soigneusement observées — particulièrement dans le comportement de Green, insensible à leur situation partagée. Par exemple, elle ne prévient pas que sa petite amie de longue date, Je-hee, sera également une invitée indéterminée.

Alors que la situation se détériore, la mère de Green s’investit dans son travail dans un foyer de soins — « Le repos ne fait que me rendre plus fatiguée, » insiste-t-elle. Elle se rattache à un patient atteint de démence sans enfant dont les besoins sont restreints par une administration soucieuse de réduire les coûts, se demandant si elle ne regarde pas dans l’abîme de son propre avenir.

Lee met habilement en lumière non seulement les défauts de chaque personnage, mais aussi les forces plus larges qui alimentent le conflit intergénérationnel — et indique finalement le chemin vers la réconciliation.

Mange la Nuit

Darknoon, un jeu de rôle en ligne populaire, fermera ses serveurs à l’approche du solstice d’hiver. Pour Pablo et sa jeune sœur Apolline, qui ont passé de nombreuses heures à s’aventurer dans son royaume fantastique, cela pourrait aussi bien être l’apocalypse.

« Mange la Nuit » se déroule principalement hors ligne à Le Havre, en France, où Pablo gère une opération de trafic de drogue indépendante. C’est un travail risqué qui le voit jongler entre des territoires hostiles, dérober des clients et se rendre inaperçu auprès des membres de gangs locaux.

Les réalisateurs Caroline Poggi et Jonathan Vinel (Jessica Forever) se concentrent sur la lutte compulsive entre travail, réalité numérique et crime, alimentée par des montées vertigineuses et des conquêtes violentes. À mesure que la disparition de Darknoon approche, l’entreprise de Pablo se retrouve menacée lorsqu’il provoque imprudemment une organisation rivale.

Le film insère sa guerre des drogues croissante dans la relation qui se développe entre Pablo et Night, une employée de supermarché qu’il recrute pour l’aider dans la production et la distribution. C’est une interprétation romanesque de Bonnie and Clyde, remplaçant une Ford V8 par une Kawasaki verte filant à toute allure sur la route avec une insouciance jubilatoire.

Des paysages urbains embrumés et une bande-son délicate signée par le musicien électronique ssaliva enveloppent ce thriller criminel d’une aura mélancolique et onirique — mais tôt ou tard, tout cela s’effondre.

Jeunes Cœurs

Au cinéma, rien ne semble inspirer l’ardeur comme la campagne européenne. La romance adolescente gay de « Jeunes Cœurs » s’épanouit parmi les champs verdoyants, les domaines en ruine et les gravelins poussiéreux de la Belgique rurale — des espaces sans limites propices à la découverte et au jeu pour ses protagonistes épris d’amour.

Elias, 14 ans, a un père un peu maladroit et subit les railleries de ses aînés à l’école, mais les véritables ennuis commencent lorsque qu’Alex, un garçon de la ville athlétique, emménage en face de chez lui. Intrépide et franc, son nouveau voisin fait sensation dans son groupe d’amis et ils commencent à se rapprocher lors de leurs trajets à vélo.

La relation naissante est complexifiée par la présence de la petite amie d’Elias, qui, à la surprise générale, est restée chaste avec lui. La direction attentive d’Anthony Schatteman (pour son premier long-métrage) évoque la perspective déformée de l’adolescence, où les amis parlent encore des arrangements de place et se réjouissent de l’alcool de frissons le weekend.

Une grande générosité est accordée à chaque personnage alors qu’ils tentent de façonner le monde qui les entoure. Elias n’a personne dans sa vie qui soit queer ; ses sentiments pour Alex, bien qu’écrasants, lui apparaissent également totalement étrangers.

L’ensemble adolescent offre des performances remarquablement nuancées, donnant à « Jeunes Cœurs » une profondeur indéniable.

Lignes de Désir

Ni tout à fait un documentaire, ni vraiment une fiction, ce film primé à Sundance du réalisateur Jules Rosskam se présente comme une méditation franche et en partie confessionnelle sur le désir transmasculin.

Le film s’ouvre sur un plan de suivi sensuel dans le couloir d’un sauna gay, jetant des regards furtifs dans des pièces ouvertes, avant de se détourner vers un archive stérile et presque dénuée de couleur. Le plafond fuit et les lumières clignotent, mais cet endroit recèle un trésor d’histoire queer — c’est là qu’Ahmad, un trans homme américano-iranien, cherche à comprendre sa propre sexualité.

Avec sa synthèse surréaliste de narration, d’archives et d’interviews contemporaines, « Lignes de Désir » se met en dialogue avec le travail de Chase Joynt (Framing Agnes). Rosskam déterre des récits et des documents (particulièrement celui du pionnier Lou Sullivan) sous un angle profondément personnel, liés par des détours fictifs dans des saunas et des théâtres qui cherchent à réinterpréter et revivre une histoire difficile.

Une série d’interviews ponctuent le film, montrant des hommes trans réfléchissant à leurs propres expériences de sexe avec des hommes cisgenres. Les fétiches, la sexualité, le sida, les applications de rencontre et la transphobie sont minutieusement explorés, positionnant le film comme un précieux témoignage de notre époque actuelle. Les sentiments de honte qui sont enracinés dans le passé et le présent résonnent dans la narration et le documentaire ; à travers l’histoire, nous pouvons nous libérer.

Le Mardi Gras Film Festival se déroulera dans les cinémas de Sydney du 13 au 27 février, et sur demande dans toute l’Australie du 28 février au 10 mars.