Le désespoir sied bien à Geese. Depuis quatre ans, ce groupe new-yorkais a prouvé qu’il savait aussi bien électriser qu’étirer ses morceaux, mais c’est avec l’album solo tout en retenue de son chanteur Cameron Winter, Heavy Metal, que leur véritable profondeur émotionnelle a enfin émergé. Une part de cette révélation revient à la voix unique de Winter : un chant voilé, presque hésitant, dont la diction cryptique évoque ces disputes que l’on surprend entre voisins à travers les murs. Il capte l’attention par surprise, avant de briser les cœurs avec une fragilité désarmante. Rarement un “fuck these people” aura été rendu avec autant d’intensité au piano.
Ce passage, survenu à peine une minute après le début de la tendre ballade solo “$0” sortie en 2024, reflète bien la complexité de Geese. Le groupe donne souvent l’impression d’ambitieux hésitants, ce qui n’est pas étonnant quand on sait qu’ils se sont formés au lycée. Comme beaucoup de jeunes précoces, ils semblent stimulés par l’idée qu’un public pourrait devancer leur propre prise de conscience de leur potentiel — une tension qu’ils exploitent pour déjouer leurs morceaux les plus accessibles. Par exemple, “Cowboy Nudes”, extrait marquant de leur album 2023 3D Country, oscille entre un refrain soul qui aurait pu passer en boucle sur les radios FM de n’importe quelle génération, et des exclamations brutes que les producteurs auraient sans doute préféré couper.
Face au succès inattendu de Heavy Metal, une formation moins audacieuse aurait peut-être tenté d’adoucir ses fantaisies pour miser sur un rock plus classique, sur des mélodies efficaces et des paroles poignantes qui ont fait de Winter une figure montante. Heureusement, Geese ne sont pas ce genre de groupe. Leur troisième album, Getting Killed, est sans doute leur œuvre la plus étrange et la plus aboutie. Cette musique anxieuse et éclatée est aussi capable d’explosions paranoïaques que de déclarations d’amour sans détour. Le premier refrain donne le ton avec un hurlement rugueux : “IL Y A UNE BOMBE DANS MA VOITURE.” Le second joue avec les deux mots éternels de la pop, “baby” et “forever”, qu’ils entonnent avec le détachement d’un chanteur de karaoké ignorant la présence de son béguin dans la pièce.
En collaborant avec le producteur Kenneth Blume (anciennement Kenny Beats, étoile montante du hip-hop), le quatuor explore un son percussif et groovy, refusant les structures rock traditionnelles tout en maîtrisant parfaitement les dynamiques de tension et relâchement. Là où leur musique semblait souvent marquée par une influence des icônes new-yorkaises hip-hop du passé, ils ouvrent désormais leur avenir vers de nouvelles perspectives. Leur style privilégie la répétition cyclique aux refrains calibrés, avec des envolées mélodiques extatiques qui permettent à Winter d’offrir ses textes les plus puissants. Dans “100 Horses”, un morceau aux accents sombres et funky, il adopte le point de vue d’un général en temps de guerre : “Toutes les personnes doivent mourir apeurées ou mourir nerveuses.” Dans la chanson, ce constat sonne presque comme une forme de consolation ; sur l’album, il s’impose comme un choix évident de single.
Points à retenir
- Geese se distingue par une capacité à conjuguer intensité électrique et sensibilité à fleur de peau, portée par la voix exceptionnelle de Cameron Winter.
- Le groupe joue habilement avec l’ambiguïté, entre ambition assumée et autodérision, nourrie par leur jeunesse et leur expérience naissante.
- Getting Killed marque une évolution vers un son plus expérimental, déconstruit, marqué par des influences hip-hop tout en conservant l’esprit fondamental du rock.
- La collaboration avec Kenneth Blume apporte une rythmique nouvelle, oscillant entre chaos contrôlé et mélodies séduisantes.
- Les thèmes abordés mêlent anxiété contemporaine, amour désarmant et une certaine forme de lucidité désenchantée.
Au-delà de l’émotion pure, Geese prouve qu’un groupe peut évoluer sans renier son identité, en osant perturber les codes tout en séduisant. Leur démarche invite à réfléchir à comment l’art navigate entre authenticité et succès, entre expression brute et maîtrise formelle.
Et si finalement, cette tension maladroite entre souveraineté artistique et désir d’être accepté était le moteur le plus sincère de la musique moderne ? Ou peut-être est-ce là une excuse que je me donne pour justifier mes propres hésitations quand je tente de comprendre les tendances du moment. Après tout, rien de tel qu’un bon cri désespéré – même s’il sort un peu faux – pour rappeler qu’on est bien vivant.