Emily Schweber dévoile les différences entre le casting de jeux vidéo et de films

Comme de nombreux directeurs de casting, Emily Schweber est tombée dans ce métier, mais, contrairement à la plupart, cela est surtout dû à un homme. C’est un récit classique, et dans ce cas, il a bien tourné. Ce choix s’est transformé en carrière et cet homme est devenu son mari (l’ancien producteur Ben Myron, dont les films incluent One False Move, Cheaper by the Dozen et Showgirls).

Pendant plusieurs décennies, Schweber a su se forger une carrière solide, principalement dans le film indépendant et, plus récemment, dans le domaine des jeux vidéo. Des jeux emblématiques tels que Star Wars Jedi: Survivor et Indiana Jones ainsi que The Great Circle figurent parmi ses réalisations. Cela lui a valu de recevoir le Heller Award 2024, une distinction offerte aux personnalités éminentes pour leur excellence dans l’industrie artistique, et ce, pour le titre de Directrice de Casting de l’Année.

Pour couronner le tout, elle a également été nommée pour un Artios Award dans la catégorie Long Métrage à Budget Commun ou Micro-Budget durant les trois dernières années. En 2025, elle a été nominée pour Tokyo Cowboy. Elle nous a fait part de son parcours depuis son domicile à Los Angeles.

Point de vue : Leçons d’Emily Schweber

• Réseauter de manière efficace, car les relations dans l’industrie peuvent mener à des opportunités de casting.
• Rechercher et comprendre profondément votre matériel d’audition pour offrir une performance convaincante.
• Toujours poser des questions pour clarifier les motivations des personnages et le contexte des scènes avant les auditions.

Comment êtes-vous entrée dans le casting ?

J’avais un excellent emploi. J’aimais travailler pour une entreprise d’impression sur T-shirts. Après avoir fréquenté une école d’art, j’y ai passé de très bons moments. Nous produisions de nombreux T-shirts pour des groupes de rock et des vignobles. L’entreprise était située dans le comté de Sonoma, au nord de San Francisco.

Je suis tombée amoureuse d’un homme qui voulait devenir producteur de films. Nous avons déménagé à Los Angeles, et j’ai pensé : « Eh bien, je veux aussi faire quelque chose dans l’industrie cinématographique. » Malheureusement, je n’avais aucune connexion. Je ne connaissais personne. Je ne savais même pas par où commencer.

J’ai commencé à poser des questions, et une merveilleuse attachée de presse, Lynn Hale, m’a suggéré de me tourner vers le casting. Je lisais des livres sur le métier de monteuse, de costumière et d’autres postes, et le casting m’a semblé intéressant. J’ai donc appelé plusieurs personnes et j’ai découvert Nancy Hayes, qui s’apprêtait à se lancer en solo. Elle m’a dit : « Je ne peux pas t’embaucher, mais veux-tu m’aider à déménager dans mon nouveau bureau et à l’installer ? » J’ai fait cela, et au final, elle m’a engagée quand même.

Elle m’a appris à castinger des figurants pour des films et des émissions qui allaient être tournés dans la région de la Baie. J’ai beaucoup appris sur la production et comment tout fonctionne dans le cinéma. Puis, quand il a été temps de déménager à Los Angeles, j’ai obtenu mon premier emploi en tant qu’assistante du directeur de casting qui sélectionnait les acteurs pour le premier film de mon petit ami. Tout se passe grâce aux relations.

Qu’est-ce qui vous a séduite dans le casting ?

Je ne voulais pas faire quoi que ce soit qui m’oblige à retourner à l’école, car j’avais déjà plus de 30 ans lorsque je suis entrée dans le métier. C’était comme si c’était la solution parfaite.

J’ai toujours considéré cela comme ma nouvelle forme d’art. C’est véritablement créatif, et j’aime le processus. Je pense encore de cette façon aujourd’hui. C’est construire quelque chose, c’est travailler avec d’autres artistes, prendre un excellent texte et l’aider à se transformer en quelque chose de nouveau.

Je crois que c’est quelque chose que tous les directeurs de casting apprécient et souhaitent vivre à nouveau, car cela nous permet d’attirer l’attention du réalisateur et des producteurs dès le début. C’est tellement important et nous traversons de nombreuses émotions ensemble, ce qui en fait une belle expérience créative.

Vous êtes l’une des plusieurs directrices de casting à avoir travaillé avec la légendaire Mali Finn. Qu’avez-vous appris d’elle ?

Elle était avant tout une enseignante. Elle aimait partager et discuter de casting, elle vivait et respirait cela. J’ai été à ses côtés pendant environ dix ans, pour la plupart du temps, juste tous les deux. Plus tard, avec la croissance de son entreprise, il y a eu plus de personnes dans le bureau, des stagiaires et des assistants, ce qui m’a permis de voir l’ensemble du processus.

Une chose qui m’intéresse dans votre carrière est l’ampleur de votre travail dans les jeux vidéo. Comment avez-vous trouvé votre voie vers ce secteur ?

J’ai eu la chance de rencontrer un parent lors d’un événement à l’école de ma fille. Ils organisaient une rencontre pour tous les nouveaux élèves et leurs parents, et c’est ainsi que j’ai fait la connaissance de Tom Keegan, qui m’a introduite dans le casting des jeux vidéo. Il gérait son propre casting, mais après quelques années de mes relances avec « Si jamais tu as besoin d’aide, je suis là », il m’a appelé pour discuter autour d’un déjeuner.

Il travaillait sur un jeu et devait chercher des acteurs ayant joué dans Boardwalk Empire et Homeland, et il devait dresser une liste ou trouver des acteurs similaires à Tilda Swinton. Il m’a demandé : « Peux-tu faire ça ? » J’ai répondu : « Bien sûr ! C’est littéralement ce que je fais. »

Je suis devenue sa directrice de casting et j’ai énormément appris de lui lors des sessions sur ce processus et ce à quoi ressemblaient les jeux. Je travaille encore avec lui, c’est quelqu’un d’extraordinaire.

Quelles sont les différences entre le casting de jeux vidéo et celui de films ?

Je considère que les jeux vidéo sont un mélange de cinéma et de théâtre. C’est similaire au théâtre car les acteurs sont sur scène, filmés en entier, avec leurs mouvements, leurs voix et leurs expressions.

Il n’y a pas de gros plans, de plans moyens ou de plans larges, tout le monde est capturé en même temps, ce qui nécessite beaucoup de compétences et rend les scènes plus longues. En cas d’erreur, il faut tout recommencer. Le processus de casting en lui-même n’est pas si différent, mais l’aspect performance semble l’être un peu.

Tentez-vous de castinger davantage de personnes ayant une expérience théâtrale plutôt qu’une expérience en film ou en télévision ?

Je crois que cela aide vraiment.

Parlez-moi de Tokyo Cowboy. Qu’est-ce qui vous a attirée vers ce projet ?

C’est toujours le scénario qui prime, car c’est notre travail. Nous lisons le script pour décider si nous voulons y participer. C’était une très belle histoire, et après avoir rencontré les réalisateurs, j’ai eu envie de travailler avec eux.

C’est un film très éloigné de Hollywood, une petite histoire originale. Le résultat a été très réussi. Il a eu sa sortie en salle, mais il ne sera disponible en streaming qu’à partir de mars.

C’est cela qui vous attire dans les films indépendants ? Travailler sur des choses plus originales ?

J’adore ce genre de films, et travailler sur un film indépendant me permet d’être très impliquée. Il n’y a généralement pas d’autres décideurs que nous dans la salle, donc j’ai un rôle clé dans le processus.

Pensez-vous que, dans le type de casting que vous effectuez, il y a des erreurs communes que les gens commettent lors des auditions ?

J’aime toujours aborder les aspects positifs plutôt que de critiquer les acteurs, car je pense que le processus d’audition est par essence difficile. S’il y avait un moyen plus simple de faire les choses, nous l’utiliserions, mais c’est ce qui fonctionne.

À mon avis, comprendre la scène et passer le plus de temps possible à explorer de quoi il s’agit est la chose la plus utile qu’un acteur puisse faire. En effet, dans la majorité des auditions, vous entendez la même chose. C’est là que les acteurs peuvent faire défaut, car nous ne sommes pas souvent dans la salle pour expliquer ce qui se passe avec les personnages, mais comprendre ce qui se cache derrière la scène et l’undertexte est, à mon sens, essentiel.

Quelles conseils donneriez-vous à un acteur venant auditionner pour vous ?

Posez des questions. Même lorsque vous recevez une demande pour une audition par auto-enregistrement, vous pouvez toujours poser des questions.

Les auto-enregistrements sont formidables pour les directeurs de casting. Nous pouvons voir beaucoup plus d’acteurs qu’auparavant, et nous le faisons sans prendre le temps que cela nécessitait autrefois.

Nous ne pouvons pas donner d’ajustements en personne, mais nous pouvons toujours le faire en discutant avec les gens par téléphone, Zoom ou par email. Poser des questions comme : « Quelle est la relation entre ces deux personnages ? Que s’est-il passé juste avant cette scène ? Pourquoi mon personnage réagit-il ainsi ? » Toutes ces questions peuvent être très utiles.