Critique de L’Autobus Perdu : Matthew McConaughey brille dans ce drame inspiré d’une vraie catastrophe

L’histoire vraie derrière The Lost Bus est plus étonnante que la fiction. Plus précisément, son intrigue pourrait sembler tirée d’un scénario des années 90, époque où les films catastrophe comme Twister, Volcano, et Deep Impact étaient en vogue. Un homme ordinaire, confronté à ses propres problèmes, utilise ses compétences de travailleur manuel et un sens du devoir pour sauver un bus rempli d’enfants coincés par un incendie dévastateur. Et la cerise sur le gâteau ? Cette communauté en flammes est appelée Paradise.

Cependant, The Lost Bus repose sur la véritable histoire du conducteur d’autobus scolaire Kevin McKay, qui, le 8 novembre 2018, a sauvé 22 élèves d’une école élémentaire lors de l’incendie de Camp Fire, le plus meurtrier et destructeur dans l’histoire de la Californie. Dans la version cinématographique de la vie de McKay, certains détails seront modifiés pour l’effet dramatique. Et ce héros ordinaire bénéficie de l’éclat hollywoodien, incarné par Matthew McConaughey. Toutefois, le réalisateur Paul Greengrass, qui a coécrit le scénario avec Brad Ingelsby, s’efforce de résister au formatage classique d’un film catastrophe flamboyant.

Ce qui aurait pu être un spectacle, transformant l’héroïsme dans le monde réel en une aventure palpitante à l’américaine, devient en fait un parcours chaotique, oscillant entre mélodrame et tension théâtrale. Le résultat est un film captivant, mais qui ne fait ressentir ses émotions qu’en haletant.

The Lost Bus mêle courage et glamour.

Crédit : Apple TV+

Lorsque les incendies de forêt se propagent plus vite que ne peuvent le gérer les pompiers, les évacuations d’écoles sont si rapides que certains parents ne peuvent arriver à temps. Le dépôt d’autobus dépêche alors Kevin (McConaughey), qui a des sièges vides et la détermination de sauver ces enfants — et Mary Ludwig (America Ferrera), la professeure qui veille sur eux — peu importe les itinéraires à parcourir ou les détours audacieux à emprunter.

En ce qui concerne la représentation du feu dans le film, Greengrass cherche à établir la terreur. Les scènes d’une ville californienne en flammes sont décrites comme une zone de guerre. La fumée transforme un jour ensoleillé en nuit obscure. Le feu dévaste une rue jadis paisible, la rendant méconnaissable. Les civils fuient, hurlant, essayant même de prendre d’assaut des véhicules. Cette même attention portée à la gravité des incendies se retrouve également sur les visages des enfants dans le bus de Kevin. Tandis que Mary et Kevin leur demandent de rester à l’écart des fenêtres, leurs joues sont noircies de suie, et leurs yeux trahissent leur fatigue et leurs larmes.

Ce qui permet de transmettre la peur que l’incendie devrait inspirer, c’est l’utilisation des plans POV par le directeur de la photographie Pal Ulvik Rokseth. Commençant près du sol dans les broussailles, ces angles évoquent d’abord les films d’horreur, mais à mesure que l’intensité augmente, la caméra prend de la hauteur et de la vitesse, suggérant la vitesse du vent et la propagation des flammes. Enfin, le point de vue du feu s’élève dans les airs, comme un dragon descendant. C’est un choix judicieux, établissant la puissance destructrice du feu sur des personnes qui ne peuvent que fuir ou brûler.

En revanche, Greengrass tente de cadrer le drame des équipes de secours en alternant les scènes du bus en feu des enfants avec celles d’une salle de conférence, où se trouvent pompiers et autorités municipales. Ces scènes sont si chargées d’exposition qu’elles stoppent net la tension. Les hésitations des acteurs dans ces moments, censées donner un effet naturaliste, apparaissent finalement maladroites — surtout en contraste avec Ferrera et McConaughey.

Bien qu’ils soient vêtus de manière décontractée, on ne peut ignorer leur présence d’étoiles du cinéma — et leurs sourires parfaits. Cela devient distrayant pour McConaughey, car le film s’efforce de souligner la pauvreté et le manque de soins de son personnage, tout en arborant des dents d’une blancheur éclatante.

Cela aurait pu être accepté si The Lost Bus était un film comme Armageddon ou Independence Day, où tout est exagéré, y compris l’apparence des Américains ordinaires. Mais ici, chaque éclat de ces dents impeccables rappelle que The Lost Bus souhaite ancrer son récit dans l’héroïsme… tout en maintenant un aspect hollywoodien. Cela ressemble à deux films en lutte, ce qui nuit à l’engagement du spectateur.

The Lost Bus révèle un glissement misogyniste. 

Avant le début de l’incendie, Greengrass et Ingelsby prennent grand soin de montrer à quel point Kevin traverse des épreuves. Dès le premier acte, il est en conflit avec sa mère, son ex-femme, son patron, une pharmacienne, et son fils — toutes, sauf ce dernier, étant des femmes.

Par le biais du casting, Greengrass présente cet homme traditionnellement viril qui cherche à subvenir aux besoins de sa famille et doit faire face à une émasculation à chaque tournant. Sa mère est un fardeau. Son ex-femme est une harpie. Sa patronne, Ruby (Ashlie Atkinson), refuse de lui accorder les heures supplémentaires dont il a besoin pour joindre les deux bouts, malgré ses explications rationnelles. Même la vétérinaire qui l’appelle pour lui annoncer que son cher chien doit être euthanasié est une femme.

En prouvant que Kevin a beaucoup (de problèmes) à gérer, cela l’établit également comme un homme cherchant à prouver sa valeur, prouver qu’il peut repousser toutes ces forces féminines qui l’accablent. Ainsi, lorsqu’il arrive à l’école et rencontre Mary, il la rabaisse en l’appelant “ma’am” ou “teach” — tout sauf son prénom.

Au fil de leur périlleux voyage, l’attitude de Kevin se radoucit envers Mary, qu’il commence à respecter pour sa sang-froid et sa endurance. Le film semble même flirter brièvement avec une intrigue romantique (un Speed 3 : Fire in Paradise), bien que ce cliché soit abandonné de manière tout aussi peu convaincante. Cependant, cette mise en scène de Kevin contre chaque femme à Paradise (et au-delà, avec son ex à portée de téléphone) positionne The Lost Bus comme une histoire de rédemption exclusivement sur des termes machistes.

Au début du film, Kevin craint d’être un échec en tant que fils, mari et père. Mais cette mission de sauvetage — qui n’a rien à voir avec ces rôles — est censée le racheter ? C’est quelque peu déroutant. Ce que le véritable McKay a accompli est véritablement héroïque. Ce que le Kevin à l’écran réalise l’est également, mais teinté par une politique de masculinité qui valorise le courage uniquement si cela valide l’identité d’un homme en tant que protecteur. Pourtant, la performance la plus convaincante provient de l’une des supposées antagonistes de Kevin.

Ashlie Atkinson brille dans The Lost Bus.

Je dois avouer que je ne suis pas familière avec le travail d’Atkinson dans The Gilded Age en tant que Mamie Fish. Dans The Lost Bus, elle porte tant de poids dramatique dans chaque geste que je pourrais bien être amenée à commencer un marathon. Sur le papier, le rôle de Ruby est mince. Elle est la directrice du dépôt d’autobus de Paradise, responsable d’assigner les itinéraires et les heures supplémentaires, ainsi que d’organiser les vérifications de maintenance — et, apparemment, les évacuations quand la situation l’exige.

Lorsque Kevin s’approche d’elle, c’est avec un air de gentillesse feinte, plaidant sa cause pour la convaincre de lui offrir des heures supplémentaires. Sa réponse est donnée avec douceur, mais fermeté. Son regard est ouvert, mais porte un avertissement à peine voilé : Pas aujourd’hui. Sa réaction est une colère qu’il emporte avec lui à l’extérieur.

Dans une scène, Atkinson incarne cette femme que j’ai souvent vue. Ruby évolue dans un milieu de travail dominé par les hommes, souvent considérée avec une politesse feinte qui est en réalité assez infantilisante ! Quand elle revient dans le film, répétant sans cesse sa volonté de rétablir l’ordre au sein du chaos, j’étais investie à chaque fois. Tandis que Kevin combat les éléments déchaînés, Ruby lutte contre la guerre émotionnelle d’apaiser les parents inquiets sans leur donner de faux espoirs. En parallèle, le rôle de Mary, qui veille à garder les enfants calmes et en vie, montre que Greengrass doit avoir conscience que surmonter les épreuves avec un regard déterminé ne suffit pas à sauver la situation.

À la fin, Greengrass propose tout de même une forme de rédemption, avec Kevin faisant de brefs amendements avec certaines des femmes auparavant perçues comme ses antagonistes. Cependant, à mesure que des textes de fond révélateurs apparaissent, la tendance misogyniste de l’histoire semble encore plus incongrue.

The Lost Bus est un film étrange. Par moments, Greengrass s’approprie les enthousiasmes théâtraux des films catastrophe des années 90 pour offrir une catharsis au public à travers la survie d’un héros face à des obstacles apparemment insurmontables. À d’autres moments, il se montre inexplicablement fasciné par les stratégies du centre de commande, qui se déroulent avec tout l’excitation d’une réunion d’affaires. Dans certains moments, il valorise clairement la remarquable performance de la jeune actrice Ashlie Atkinson, dont le portrait dynamique d’une femme de la classe populaire faisant tout son possible est si touchant qu’il sauve presque ce film de son message sexiste régressif. Mais en fin de compte, Greengrass privilégie une sensibilité pour un modèle de virilité toxique. Ainsi, The Lost Bus — malgré ses efforts pour célébrer un héros du quotidien — devient un parcours tumultueux de masculinité malsaine.

The Lost Bus a été présenté en première au Festival International du Film de Toronto. Le film sera disponible en sortie limitée le 19 septembre, et fera ses débuts sur Apple TV+ le 3 octobre.